記事和訳）2025年アニメーション有力作監督たちの対談（The Hollywood Reporter）

はじめに

2025年も終わりに近づき、アカデミー賞シーズンが近づいてきました。
The Hollywood Reporterでは、今年のオスカー有力候補作の監督陣を集めてラウンドテーブルを開催しその対話が記事として公開されています。

今回のブログではその記事を、和訳して掲載します。

PIXARの『星つなぎのエリオ』のドミー・シー共同監督や、WDASの『ズートピア２』のジャレッド・ブッシュ監督らも参加しているのでディズニーウォッチャーのみなさんにとっても関心の高い対話記事となっています。

元記事はこちら

www.hollywoodreporter.com

記事和訳

THR Animation Roundtable: Inside the Craft, Chaos and “Nerd Love” Behind This Year’s Top Contenders

THR アニメーション・ラウンドテーブル：今年の有力候補作に秘められた技術、混沌、「オタク愛」

BY SCOTT ROXBOROUGH (DECEMBER 9, 2025)

The directors of this year’s best animated feature hopefuls talk inspiration, originality and why emotional truth comes before technique.

今年の最優秀アニメーション作品候補作の監督たちが語る、インスピレーションと独創性、そして技術よりも感情の真実（emotional truth）が優先される理由。

No Oscar category showcases a broader creative spectrum than animation. Where else could a $10 million 2D philosophical French drama about death compete on equal footing with the sequel to a $1 billion blockbuster?

This year’s contenders for Best Animated Feature reach across genres, cultures and styles.

オスカー（アカデミー賞）において、アニメーションほど幅広い創造性を披露できる部門は他にない。1000万ドルの制作費を投じた詞をテーマにした２Dの哲学的なフランス映画が、10億ドルの大ヒット作の続編と互角に渡り合える作品は他にどこにあるだろうか。今年の長編アニメーション賞の候補作は、ジャンル、文化、スタイルを越境している。

Neon’s hand-crafted Arco is a Hayao Miyazaki-style time-traveling fantasy about a boy from the future who travels on rainbows and offers humanity an alternative to climate change disaster. GKids’ intimate cross-cultural childhood drama Little Amélie or the Character of Rain, another 2D film, follows the internal life of a young Belgian girl growing up in post-war Japan. Among the studio titles, we have the noir-tinged crime tale of Disney’s marquee franchise sequel Zootopia 2 which returning us to the all-creature metropolis of the 2016 original, and the horror/sci-fi mash up of Pixar’s Elio, about a boy desperate to be abducted by aliens. Netflix this year delivered both the girl-power musical/action combo of global phenomenon K-Pop Demon Hunters, and the family fantasy of In Your Dreams about two kids who travel to dreamland in search for real-life solutions.

ネオンの手描き作品『アルコ』は、虹に乗って旅して未来からやって来て、気候変動の災害に変わる選択肢を人類に提示する少年を描く宮崎駿スタイルのタイムトラベルファンタジーだ。GKIDSの親密な異文化交流の児童ドラマ『アメリと雨の物語』は、もうひとつの２D作品で、戦後の日本で育った若いベルギー人少女の内面を描いていく。スタジオ作品の中には、ディズニーの看板フランチャイズの続編で、2016年のオリジナル作品で描かれたあらゆる動物たちが住む大都会を再び訪れるノワール風の犯罪物語『ズートピア２』や、エイリアンに誘拐されそうになる少年を描いたPIXARのホラーとSFの融合作品『星つなぎのエリオ』がある。Netflixからは今年、世界的な社会現象となったガールパワー・ミュージカルとアクションのコンボ作『KPOPガールズ! デーモン・ハンターズ』と、現実の解決策を求めて夢の国を旅する二人の子供たちを描いた家族向けファンタジー『イン・ユア・ドリームズ: 願いがかなうなら』の両方が配信された。

For THR‘s Animation Roundtable, the helmers of this awards season’s frontrunners ― Arco director Ugo Bienvenu, Zootopia 2 co-director Jared Bush, Little Amélie co-director Liane-Cho Han, KPop Demon Hunters co-director Maggie Kang, Elio co-director Domee Shi, and In Your Dreams co-director Alex Woo ― talk originality, shifting audience expectation and why, for animation, “nerd love” is not only tolerated but required.

THRのアニメーション・ラウンドテーブルでは、今シーズンの賞レースの最有力候補である、『アルコ』の監督ウーゴ・ビアンヴニュ、『ズートピア２』の共同監督ジャレッド・ブッシュ、『アメリと雨の物語』の共同監督リアン＝チョー・ハン、『KPOPガールズ! デーモン・ハンターズ』の共同監督マギー・カン、『星つなぎのエリオ』の共同監督ドミー・シー、『イン・ユア・ドリームズ: 願いがかなうなら』の共同監督アレックス・ウーが、独創性、変化する観客の期待、そしてアニメーションにおけて「オタク愛」が単に許容されるだけでなく必要とされる理由について語り合う。

What makes a great animated filmmaker?

優れたアニメーション映画監督をかたちづくる要素は？

LIANE-CHO HAN

Patience.

忍耐強さ。

MAGGIE KANG

You have to be a super collaborator. You have to have a lot of stamina because it takes a while to make these.

最強のコラボレーターでなければならない。製作に時間がかかるので、かなりのスタミナが必要。

DOMEE SHI

You have to be slightly masochistic. It’s a painful and long process and you have to love it. You have to love the pain and the payoff of watching one beautiful second of animation that you’ve toiled for months over.

少しマゾヒスティックになる必要がある。苦痛で長いプロセスだが、それを愛してなければならない。何ヶ月も苦労して作り上げたアニメーションの美しい一秒をみるという苦痛と報酬を愛さねばならない。

KANG

Or years.

あるいは何年もね。

JARED BUSH

I think you have to also love evolving a story. At least for me, you’re not coming in with a story that stays in the same place, but it’s this constant evolution that’s aided by all that collaborative help that you’re getting.

物語を進化させていくのも好きでないといけないと思う。少なくとも私の場合は、同じ場所にとどまる物語を持ち込むのではなく、共同作業による助けを得て、絶えず進化し続ける物語でないといけない。

UGO BIENVENU

Also, for me, it’s about knowing every field of the work. It’s good to know every part of the job so you can explain and help people work on it and find solutions.

あとは、私にとっては、仕事のあらゆる分野を知ることも重要だ。仕事のあらゆる側面を知っておくことは、他の人に説明したり取り組むのを助けたり、解決策を見つけたりする上で役立つ。

KANG

You also have to spin a lot of plates at the same time. Sometimes it’s, like, hundreds.

同時にたくさんの皿を回さないといけないし、時には何百枚も回さねばならないこともある。

BUSH

I think you also have to love animation. I mean, it seems like that’s an obvious thing, but I don’t know if that’s the case for everybody. I think you actually have to love the medium in order to be a successful filmmaker.

アニメーションを愛することも必要だと思う。アタリマエのことのように思えるが、誰もがそうであるかどうかはわからない。映画監督として成功するいは、アニメーションという媒体を本当に愛さなければならないと思う。

ALEX WOO

Yeah, I totally agree. I was going to say that I think you have to be a real nerd about animation. You have to know the history of it. You have to know the technique of it, the craft of it, to really take advantage of everything the medium has to offer because it’s such an incredible medium. Having really deep nerd love for animation really helps when you’re directing.

ええ、全く同感。アニメーションに関しては、本当にオタクでなければって言おうとしていた。アニメーションの歴史を知らねばならない。アニメーションという素晴らしいメディアの全てを最大限に活用するには、技術や技能を知らなければならない。アニメーションに対するオタク的な愛情は、監督する時に本当に役に立つ。

Maggie, KPop Demon Hunters has become a cultural phenomenon across music, film and animation. But you spent a long time developing the project before Netflix came on board. What kept you going all those years developing this original, untested idea?

マギー、『KPOPガールズ! デーモン・ハンターズ』は音楽、映画、アニメと界隈を超えた文化現象となっているが、Netflixが参加する前からこのプロジェクトは長い間かけて開発されていたね。この独創的でまだ誰も試してなかったアイデアを何年も開発し続けられた原動力は？

KANG

Passion. I knew I wanted to see this movie, and that’s the thing that really drove me the entire time. You’re creating something out of nothing, which is, I think, the hardest thing to do as a human being. When you see it slowly come together and then you start to build a team that is helping you see this vision through, it just keeps fueling you no matter how hard it gets. You also don’t want to let your team down that’s putting all this love into something that you came up with.

情熱ね。この映画を見たいってずっと思っていたし、それがずっと私を突き動かしていた。何もないところから何かを生み出す。それは人間として最も難しいことだと思う。ゆっくり形いなっていき、そのビジョンを実現させてくれるチームを築きはじめると、どれほど困難に直掩しても情熱が原動力になっていく。自分が生み出した作品に、これほどの愛情を注いでくれるチームを失望させたくはないだろうし。

Ugo, Arco is your first feature animation film. What was your personal connection to the story that made you want to take the leap?

ウーゴ、『アルコ』はあなたの初の長編アニメーション作品だ。あなたが飛躍しようと思ったきっかけとなったこの物語との個人的なつながりとは？

BIENVENU

I’ve been doing science fiction since 10 years, almost. And one day it appeared to me super clearly, “OK, we’re living in a bad science fiction movie.” And I thought, “It’s because mainly, we’re always telling a bad future story,” you know? And if we just imagine the worst, it’s just going to happen, because human beings have the ability of bringing to the world their ideas. I think if we want better things to happen, we have to imagine them first. That’s what gave me the will to do this movie.

サイエンス・フィクションをやりつづけて10年になる。ある日、はっきりと分かった。「ああ、我々はひどいSF映画の中に行きているんだな」と。そしてそれは主に我々が悪い未来の物語ばかりいつも映画いているからだともおもった。最悪の事態を想像するだけで、それは現実になる。人間には自分のアイデアを世界に実現させる力があるからだ。より良い未来をのズムなら、まずそれを想像しなければ。この映画を作る意志を与えてくれたのはまさにその思いだ。

Jared, the world has changed a lot since the first Zootopia. One of its core themes ― diversity ― has become politicized. Did that influence how you approached the sequel?

ジャレッド、最初の『ズートピア』が公開されてから世界はだいぶ変わってしまった。核となるテーマの一つ「多様性」はより政治的なものとなった。続編に対してアプローチするうえで、そのことによる影響はあった？

BUSH

It’s interesting. I’d say what we were really trying to do on the first film was to talk about human nature and how humans interact. Bias and stereotypes were major talking points, but those themes are evergreen. They would resonate 10, 20, 50 years ago and will into the future. For this story, we asked: How are we going to use these themes and evolve them so it feels like a continued conversation? We as humans make the same mistakes over and over ― how do we talk about those?

興味深い。前作で本当にやりたかったのは、人間の本質と人間同士の交流について語ることだった。偏見やステレオタイプは大きな話題になったが、これらのテーマは時代を超えていき続けるものだ。10年、20年、50年前も、そしてこれれからもずっと心に響き続けるだろう。今回の物語では、こう問いかけた。「これらのテーマをどう活かし、進化させて、継続的な対話のように感じられるようにするにはどうすればよいのか？人間は何度も同じ過ちを犯す。それについてどう語れば良いか？」と。

Liane-Cho, Little Amélie is a really interesting story, about a Belgian girl growing up in Japan, very much a cross-cultural story. What was the emotional core of the story for you?

リアン＝チョー、『アメリと雨の物語』は日本で育ったベルギーの少女を描いた、まさに異文化を描いたとても興味深い物語だ。あなたにとって、この物語の感情的な核心は何だった？

HAN

It’s an adaptation of a book, which is quite famous in France. I discovered the book when I was 19, so more than 20 years ago. I was not really a bookworm at the time, I was more into pop culture, Japanese animation, video games. But I was so moved when I read that book, moved by this unique case of this 2½-year-old Belgian girl born in Japan who believes she’s God. What really moved me is the evolution of this girl from where she believes she’s God until she has this disillusion and understands that you cannot control everything but still love life. What really moved me was the relationship between Amélie and [her family’s Japanese housekeeper] Nishio-san.

これはフランスでとても有名な本の映画化だ。私がこの本に出会ったのは19歳の時、20年以上前のこと。当時は特に本の虫というわけではなく、ポップカルチャーや日本のアニメ、ビデオゲームに興味があった。でもこの本を読んでとても感動した。日本生まれの2歳半のベルギー人の少女が自分が神様だと信じているというユニークな状況に心を動かされた。本当に感動したのは、自分が上だと信じていた少女が幻滅を感じ、全てを制御することはできないがそれでも人生を愛せるようになるまでの成長過程だ。そしてアメリと（彼女の家族の日本人家政婦の）西尾さんとの関係には本当に感動した。

Domee, with Elio, you came in as a co-director, with Adrian Molina and Madeline Sharafian, on a film already in development. Was it a challenge to make it your own?

ドミー、『星つなぎのエリオ』に関して、あなたは、エイドリアン・モリーナとマデリン・者ラフィアンとともに、すでに映画の企画開発が進んでいる段階で共同監督として参画した。ご自身の作品にするのは大変だった？

SHI

The original idea came from Adrian Molina, inspired by his childhood on a military base as the weird kid. When he stepped away for Coco 2, Madeline Sharafian and I were brought on to finish the movie. Then, with the strikes, the release moved, giving us more time. At Pixar, we take every second to improve.

Maddie and I examined Elio and tried to infuse him with a drive we related to: a desire to be abducted by aliens, to find a place where you belong. That came from our lives as weird kids dreaming of going to animation school and finding our tribe of nerds. It turned the movie into a wish-fulfillment story and let us subvert sci-fi tropes ― like making the abduction scene joyful instead of scary.

元のアイデアはエイドリアン・モリーナが、自身が軍事基地で過ごした変わり者だった幼少期にインスピレーションを得たものだった。彼が『リメンバー・ミー２』の製作のために辞退して、マデリン・シャラフィアンと私が引き継いで、映画の完成を目指した。その後、ストライキの影響で公開日が延期されて、制作期間に猶予ができた。PIXARでは、許される限り常に改善し続ける。

そこでマディと私はエリオを深く観察し、我々が共感できる衝動を彼に吹き込もうとした。それは、エイリアンに誘拐され、自分の居場所を見つけたいという願望。アニメーションの学校に通ってオタクの仲間を見つけることを夢見ていた、我々の変わった子供時代から生まれたアイデア。その御蔭で、映画は願望充足物語（a wish-fulfillment story）となり、SFの常套句を覆すことができた。例えば、誘拐シーンを怖いものではなく、楽しいものにするとか。

Alex, you worked for several years at Pixar before setting up your own company, Kuku Studios. Why did you decide to set your feature debut, In Your Dreams, in the dream world, and what was the key to cracking the story?

アレックス、あなたはご自身のKuku Studiosを設立する前、数年間PIXARで働いていた。長編デビュー作『イン・ユア・ドリームズ』を夢の世界に設定した理由は？そしてストーリーを見つけ出した鍵は？

WOO

When we started our company in 2016, we spent a year dreaming up ideas we wanted to see. One was a dream-world animated movie. Everyone dreams across cultures and time, but nobody had done it yet. So it felt like a gold mine. But as we started developing, we quickly discovered why nobody had done it: Dreams make stakes hard. If anything can happen, nothing matters. So how do you give a dream movie stakes?

2016年に会社を設立した時、我々は1年間かけて自分たちが観たいアイデアを練り上げた。その一つが、夢の世界を舞台にしたアニメーション映画だった。文化や時代を超えて誰もが夢を見るが、まだ誰もそれを実現していなかった。だからまるで金鉱のように感じた。しかし、開発を進めていくと、なぜ誰もそれを実現していなかったかがすぐ分かった。夢は（映画づくりという）賭け事を難しくする。何でも起こりうるのだとしたら、何も重要ではない。では夢の映画にどのように賭けるのか？

The key that unlocked the idea for us was what if our kids, Stevie and Elliot [voiced by Jolie Hoang-Rappaport and Elias Janssen], found the Sandman [and] he could make their dreams come true. Suddenly there was a connection between dream world and real world. But we still needed the core story. I drew from my childhood. When I was like 6 or 7 years old, I woke up one morning and my mom had packed her bags. She left for a little while. It was really scary for me and my brother. At that moment, all I wanted was to find a way to keep my family together and keep it whole. I told that story to my team and they were like, “That’s really juicy.” The combination of this fantastic adventure in the dream world with this really intimate story about a kid just trying to keep her family whole gave us the movie.

我々にとってこのアイデアの鍵となったのはもし私たちの子供たち、スティーヴィーとエリオット（声：ジョリー・ホアン＝ラパポート、エリアス・ヤンセン）がサンドマンを見つけて夢を叶えてもらえるとしたら？ということだった。突然、夢の世界と現実の世界が繋がった。しかし、まだ核となるストーリーが必要だった。私は自分の子供時代を想像した。6～7歳くらいのころ、ある浅めが覚めると母が荷物をまとめて出かけていた。母が少しの間、家を出ていってしまった。私と弟にとって本当に恐ろしい出来事だった。その時、私が望んでいたのはただ家族を一緒に、ひとつにしつづける方法をみつけることだった。その話をチームに話すと、かれらは「実に面白い」と。夢の世界で繰り広げられる素晴らしい冒険と、家族を一つにするために努力する子どもの、とても親密なストーリーを組み合わせることでこの映画が生まれたんだ。

Jared, Domee ― how open are the big studios to originals?

ジャレッド、ドミー、大規模スタジオというのはオリジナル作品に対してどれほど門戸を開いている？

SHI

It’s hard. Elio got massacred at the box office even though audiences who saw it loved it. The question is how to push original theatrical films through all the noise. I’m hopeful, though. Maggie’s film gives me hope.

厳しいです。『星つなぎのエリオ』は観た人には好評だったが、興行収入は惨敗だった。問題は、あらゆる雑音の中でオリジナル作品の劇場公開をどのように押し進めていくかということだ。でも私は希望を持っている。マギーの映画は私に希望を与えてくれる。

KANG

When you pitch, marketing gets involved immediately. What helped my film was the marketability of K-pop. I took that, this marketable idea, and then thought: I’m going to make the most Korean, personal movie I can out of what the world knows.

アイデアをピッチすると、即座にマーケティングが関わってくる。私の映画に役立ったのは、KPOPの市場性だった、この市場性のあるアイデアを掴んで、こう考えた。世界が知っているものを使って、できる限り韓国的でパーソナルな映画を作ろうと。

WOO

Studios want sequels because they’re easier to market. With originals, you find a marketing hook. I think our marketing hook was dreams, that everybody dreams. I think that’s what kept the studio excited.

スタジオが続編を望むのは、マーケティングが容易だから。オリジナル作品なら、マーケティングのフックになる部分（売り文句）を見つけないといけない。我々にとってその売り文句は、夢。夢は誰もが見るから。それがスタジオの興味を引き続けた理由だ。

BUSH

Sequels-only is not a long-term business plan. I think we all know that the studios that push originality are the ones that audiences remember. You need originals to surprise people. I don’t know anybody that doesn’t want to see something new, something that surprises them, because when you know this is going to happen and then this is going to happen, it’s not that engaging. But when you can get an original story from a distinct cultural and personal perspective, or situational perspective, that can translate.

続編オンリーというのは長期的なビジネスプランではない。オリジナリティを追求するスタジオこそが観客の記憶に残るというのは誰もが知っていること。人々を驚かせるにはオリジナル作品が必要。なにか新しいもの、驚きがある作品を見たくない人はいない。なぜなら、これが起きて、次にあれが起こると分かっているだけで半観客を引き付けることはない。しかし、独自の文化的、個人的視点、あるいは状況的な視点からオリジナルの物語を描くことができればそれを伝わる。

KANG

And literally every IP was once an original.

それに文字通りどのIP（知的財産）だって最初はオリジナルだったんだから。

Ugo and Liane-Cho, you work in the European system, where the budgets are much lower for animation. But are there advantages creatively?

ウーゴとリアン＝チョー、あなたがたはアニメーションの予算がはるかに少ないヨーロッパのシステムの中で製作しているわけだが、クリエイティブ面でのメリットはある？

BIENVENU

At first you do limit yourself because you know you won’t have the budget. But in the end you write whatever you want and [in France] you always have final cut. Which I know for U.S. filmmakers is a luxury. I built my own studio for this film so I could control everything ― the craft, the writing, the production ― and to protect the teams. There’s less money, yes, but also less economic pressure.

最初は予算が少ないと分かっているので、どうしても制限をかけてしまう。でも最終的には、やりたいことを何でも描けるし（フランスでは）いつでも最終編集版を自分で出せる。アメリカの映画監督にとってこれが贅沢なことだと分かっている。

この映画のために自分のスタジオを作ったのは、技術、脚本、製作など、すべてを自分で制御し、チームを守るためだ。たしかに予算は少ないが、経済的なプレッシャーも少ない。

HAN

We have public and private funding in our movie. It cost about 9 million euros [$10.4 million]. It takes longer to finance because you must convince many investors step by step. We faced challenges, because our book is for adults, but we wanted an intergenerational film. Everyone has an opinion about what kids can handle. It’s always a battle. The taboo around themes in children’s animation is huge even in Europe, where people say it’s too tough, children are too fragile.

この映画には公的資金と民間資金が投入されている。費用は訳900万ユーロ（1040万ドル）だった。多くの投資家を段階的に説得しなければならないので、資金調達には時間がかかる。原作は大人向けだったが、世代を超えて楽しめる映画にした方ので課題もあった。子どもがどこまで耐えうるかについてはそれぞれ意見があるから。常に戦いだ。子ども向けアニメーションのテーマに関するタブーはヨーロッパでも根強く、「難しすぎる」「子どもたちはあまりに脆い」

と言われる。

Many of these films go places family animation rarely does. Domee, Elio uses almost horror themes. Was there pushback?

こういった作品の多くはファミリー向けやアニメーションではめったにない領域に踏み込む。ドミー、『星つなぎのエリオ』はホラーに近いテーマを使っているが、反発はあった？

SHI

I remember [Pixar chief creative officer] Pete Docter being a little concerned about the alien abduction scene. “Is that a little too intense?” We assigned that scene to a talented story artist, Le Tang. It wasn’t even fully scripted, just an outline, and Le knocked it out of the park in the first pass. We screened it, and everyone was laughing. Scared but in a fun way. So we kept going.

Maddie and I love sci-fi horror. We wanted a little John Carpenter, a little Ridley Scott. There’s a default in our films to aim for laughs or tears, but there are so many more reactions ― tension, anticipation, squeamishness, cringe.

（PIXARのチーフ・クリエイティブ・オフィサー）ピート・ドクターがエイリアンに誘拐されるシーンについて少し心配していたのを覚えてる。「ちょっと過激すぎるんじゃない？」と。我々はそのシーンを才能あふれるストーリー・アーティスト、ル・タンに割り当てた。まだ脚本は完成していなくて、アウトラインだけだったが、ルは一発で見事に仕上げた。上映すると、みんなが笑っていた。怖かったけど楽しいって感じの。それで私たちはそのまま制作を続けた。

マディと私はSFホラーが大好き。ジョン・カーペンターとリドリー・スコットの要素を少し加えた作品を作りたかった。我々の映画は基本的に笑いや涙を誘うものが多いが、緊張感、期待感、不快感、身の毛もよだつような感覚など、もっと沢山の感情を呼び起こす要素がある。

WOO

That [alien abduction] scene was my favorite in the whole movie. The minute I saw it, I was like, “That is so Domee.”

あの（エイリアンに誘拐される）シーンは、映画全体で一番好きだった。観た瞬間、「まさにドミーだ」って感じで。

Are certain topics still taboo in animation? Are there places studios won’t go?

アニメーション業界では、いまだにタブー視されているテーマはある？スタジオが踏み込まない領域はある？

BUSH

Honestly, no. People talk about that a lot, but since I’ve been here, I’ve only heard people say, “Push further.” Audiences like being challenged. The puzzle is: How do you reach a broad audience without diluting anything? You want parts that appeal to adults, parts that appeal to kids. It doesn’t mean every joke works everywhere ― just that there’s candy for everyone.

正直に言うと、ない。よくその話は耳にするが、私がここに来てからずっと「もっと突き詰めろ」という声ばかり。観客は挑戦されることが好きだ。問題は、どうすれば作品を薄めることなく、幅広い観客に届くかということ。大人にも子どもにも訴える部分が必要。すべてのジョークがどこでも通用するわけではない。ただ、すべての人に向けたキャンディ（楽しめるもの）はあるんだ。

HAN

In our movie, we met taboos ― especially around death. Our story deals with post-World War II Japan. It’s a hard topic. But kids can understand more than we think. There’s a scene where Amélie asks, “Why do we die?” That’s something my own son asked. He’s 6 years old. We didn’t make death violent, but we didn’t minimize it, either. We had to find the right balance.

我々の映画では、特に死に関するタブーに遭遇した。我々の物語は二次大戦後の日本を扱う。難しいテーマだが、子どもたちは我々が思っている以上に理解できるもの。アメリが「なぜ人は死ぬの？」と尋ねるシーンが有る。これは私の息子が聞いた質問だ。彼は6歳。我々は死を暴力的に描くことはしなかったが、軽視することもしなかった。適切なバランスを見つける必要があった。

BUSH

At the core, we’re trying to make audiences feel something. Sometimes that means tackling difficult things.

核にあるのは、我々は観客に何かを感じてもらおうとしているのだ。そのため、時に難しい問題に取り組むこともある。

KANG

Every time I took a risk where I asked myself, “Is this too much?,” it was always the right choice. If you feel fear, lean into it.

「これはやりすぎ？」って自問自答しながらリスクを冒す度にそれは常に正しい選択だった。恐怖を感じたらそれに立ち向かってほしい。

BIENVENU

Emotions are muscles. Stories help train those muscles so when real life happens, we don’t fall. This is why I think culture, books, films, stories, are so important for humans. Because you exercise your soul.

感情は筋肉だ。物語は、その筋肉を鍛え、現実世界でなにかが起こった時に落ち込まないようにするのに役立つ。だからこそ、文化、本、映画、物語というのは人間にとってとても重要だと私は思う。なぜならそれは魂を鍛えるから。

HAN
A movie stays inside you because it left an emotional mark. That can shape who you become.

映画は心に残る。なぜなら感情に跡を残すから。それは、あなたがどんな人間になるかをかたちづくる。

SHI
No theme is taboo. It’s about execution. It’s not taboo to talk about grief, death, belonging, loneliness. It’s about how you do it and what makes it interesting. I think animation can have fun with all these genres, like the horror genre. We’re just scratching the surface.

タブーなテーマなんてない。重要なのはそのやり方。悲しみ、死、帰属意識、孤独と言ったテーマを語ることはタブーではない。重要なのはそれをどう表現するか、どのように面白くするか。アニメーションは、ホラーのようなジャンルも含めてあらゆるジャンルで楽しめると思う。我々はまだその表面を引っ掻いているだけ。

Does that freedom now extend to animation style? 3D is still dominant in the U.S., but the two European films here are 2D. Is there more openness now to different forms of animation?

その自由はアニメーションのスタイルにも及んでいるのだろうか？

アメリカでは依然として３Dが主流だが、ここに集まってもらったヨーロッパの２本の作品は２Dだ。今では様々な形式のアニメーションに対してよりオープンになっている？

WOO

I hope so. Anime’s rise gives me hope. Young audiences don’t see animation as a genre or as kids’ content. They know it can be mature, emotional, violent, whatever. In the West it’s slower, but it’s changing. Look at [Netflix’s adult animated show] Blue Eye Samurai.

そう願ってる。「アニメ」の隆盛は私に希望を与えてくれる。若い視聴者たちはアニメをジャンルや子ども向けのコンテンツとしては捉えていない。かれらはアニメが大人向け、感情的、暴力的などどんなものでも表現できると知っている。欧米では遅いが、変化しつつある。（Netflixの大人向けアニメ番組）『ブルーアイ・サムライ』を観てほしい。

KANG

Yes!

まさに！

WOO

It gives me so much hope that a mainstream American animated show can look like that.

主流のアメリカのアニメ番組がそのようになるというのは、私にとって大きな希望。

HAN

And we’re the new parents. We grew up with all forms of animation ― Japanese, French, American. So our kids will, too.

我々は新しい親になる。我々は、日本、フランス、アメリカなどあらゆるアニメーションを観て育った。だから我々の子供たちもそうするだろう。

Jared, you’re working in an established Zootopia universe. Was it tricky to push the style?

ジャレッド、あなたは既に確立された『ズートピア』の世界観で仕事をしているわけだが、そのスタイルを押し広げるのは難しかった？

BUSH

Yes and no. I mean, obviously people want the characters to look like the characters. But for us, one of the most important things was to change the style in this movie so that we could try something new. We wanted something that felt much more noir, and we wanted to take advantage of what the story was ― this is about these two characters who are figuring out their differences and compatibility. And that affected the visual language.

イエスだしノー。もちろん、登場人物は登場人物らしくあるべきだとみんなが思っているのは当然。しかし、我々にとって最も重要なことの一つは、この映画のスタイルを変えて、新しいことに挑戦することだった。よりノワールな雰囲気にしたいと思い、物語の本質、つまり二人の登場人物が互いの違いと相性を探っていくというストーリーを活かしたいと考えた。それがビジュアル言語（映像表現）にも影響を与えた。

We’ve seen the new Sora 2 model come out, and OpenAI is now saying they’re backing an animated feature film that will cost $30 million and will deliver a $200 million-style animation. My question for all of you is: What are you afraid of, or hopeful for, in the use of AI in animation?

新型のSora 2モデルの登場を見届けた今、OpenAIは3000万ドルを投じ、２億ドル級のアニメーションを実現する長編アニメーション映画を支援すると発表した。みなさんへの質問は、アニメーションにおけるAI活用について、何が不安で何が期待できるか？

HAN

I don’t know if this is the right answer, but when I was 20, my first animation teacher said to me: “Liane, don’t try to impress. Try to move people.” AI is impressive. But I don’t know if it can be moving.

これが正しい答えかどうかはわからないが、20歳の頃、最初のアニメーションの先生にこう言われた「リアン、感銘を与えようとする（try to impress）のではなく、人々の心を動かしなさい（try to move people）」と。AIは確かに感銘を与えてくるが、人の心を動かせるかどうかはわからない。

BUSH

That’s so well said. The thing I think is, human creativity is at the core of every movie. A movie is not one person voicing ideas into reality. It’s 700 people bringing their experiences and their perspectives. Those 700 points of view, what makes something profound, can’t be replaced.

まさにそのとおり。私が思うに、あらゆる映画の核にあるのは人間の創造性。映画とは、一人の人間がアイデアを形にするものではない。700人がそれぞれの経験と視点を持ち寄る。作品を深く掘り下げる700の視点というのは、他に代えがたいものだ。

KANG

There’s a reason why our animators act out every scene. They record a reference video so that they can get into the character, feel it, and then be able to put that into the characters themselves. They need to be able to feel it to represent it onscreen. I don’t think AI can replicate that spark.

アニメーターが全てのシーンを演じるのには理由がある。キャラクターに入り込み、感じ取り、それをキャラクター自身に反映させるために参考映像を収録する。画面上で表現するには、実際に感じ取る必要がある。あのひらめき（spark）をAIで再現することはできないと思う。

WOO

Maybe I’m just being naive, but every time there’s been some sort of technological innovation in the arts, there’s always been a lot of fear around it. With CG [computer generation], people were like: “2D is going to die.”

私が単純に考えが甘いだけかもしれないが、芸術分野において何らかの技術革新が起こる度に必ず大きな恐怖が伴ってきた。CG（コンピュータ生成画像）が来ると、「２Dは死ぬ」と人々入った。

Obviously there was a shift, but it’s still around. My film’s CG, but I hope there’s a lot of humanness in it. My hope is AI develops with artists, not instead of them. Art comes through people. Humans have a connection to something beyond themselves. AI won’t have that.

たしかに変化はあったが、２Dは今も続いている。私の映画はCGだが、そこに人間らしさがたくさん込められているとを願っている。AIがアーティストの代わりになるのではなく、アーティストと共に発展していくことを願っている。芸術は人を通して生まれる。人間は自分を超えた何かと繋がりを持っている。AIにはそれがないのだ。

SHI

Art is imperfect. Art is spontaneous. Art is unexpected. When you’re making a movie, you go down a path thinking something is wrong and discover it’s gold.

芸術は不完全だ。芸術は自発的だ。芸術は予想外なものだ。映画を作る時、何かがおかしいと思いながら進んでいくと、それが素晴らしい発見になる。

BUSH

I don’t want AI to write my scripts for me. If I’m writing a script and my dog barfs on the floor and I have to stop writing, I’d like AI to come and clean up the barf so that I can continue to work on my stories.

AIに自分の代わりに脚本を書いてほしいとは思ってない。もし脚本を書いていて、飼い犬が床にはいてしまって執筆を中断せざるを得なくなったとしたら、私が物語を書き続けられるように、AIには犬の吐いたものを片付けてもらいたい。

If I can finish with a human question: What’s the one cinematic moment ― from childhood or from your own work ― that has stayed in your body, something you still carry with you?

最後に人間的な質問で締めくらせていただければと。子どもの頃、あるいはご自身の仕事の中で、あなたの身体の中にずっと残り、今も持ち続けている映画の瞬間は？

SHI

In Spirited Away, when Chihiro receives a rice ball from Haku and she starts eating it and crying and Joe Hisaishi’s piano music comes in ― that makes me cry every single time. It’s so cute and sad and sweet and you really feel her loneliness. It’s a perfect scene.

『千と千尋の神隠し』で、千尋がハクからおにぎりをもらって、それを食べながら無きだすシーンで久石譲さんのピアノが流れてくる。そのシーンで私は毎回ないてしまう。とても可愛くて切なくて優しくて、彼女の孤独を本当に感じる。まさにカンペキなシーン。

HAN

When I was 16, I discovered three movies. First Princess Mononoke. I watched it 12 times in one week. The same year I discovered Grave of the Fireflies. I spent an hour in my shower crying right after. Then I watched it five more times that week. And that same year I discovered Rurouni Kenshin: Tsuiokuhen [Rurouni Kenshin: Trust & Betrayal] ― I think I watched it 50 times. At 16 you’re immature but also trying to build your identity. Those three movies really changed the course of my life.

16歳の時、三本の映画に出会った。まず『もののけ姫』。一週間で12回も観た。同じ年に『火垂るの墓』を見つけた。観た後、シャワーを浴びながら1時間泣いた。同じ週にさらに5回観た。更に同じ年に、『るろうに剣心 - 追憶編』に出会った。50回は観たと思う。16歳という年齢は未熟だが、同時に自分自身のアイデンティティを築こうとしている時期でもある。この3本の映画は本当に私の人生の道筋を変えた。

WOO

Grave of the Fireflies was mine. That can of hard candy that she had ― I used to have that as a kid. Seeing that in the film devastated me. I couldn’t believe that movie was made. It’s a war movie about two kids just trying to survive the horrors of war. And then Iron Giant, the Superman moment when he goes up into the sky and takes the bomb ― I was crying like a little baby. That stayed with me ever since.

私のは『火垂るの墓』だった。彼女が持っていたあの飴玉の缶は、自分も子供の頃に持っていたので映画でそれを見たときはショックで打ちのめされた。あんな映画が作られたなんて信じられなかった。戦争の恐怖を生き延びようとする二人の子どもを描いた戦争映画なのに。そして『アイアン・ジャイアント』、彼が空に舞い上がって爆弾を受けるまさにスーパーマン的な瞬間を目にしたときには、まるで赤ん坊のように泣いてしまった。あれは私の中でずっとの残っている。

BUSH

I saw The Jungle Book in theaters ― the first movie I remember seeing in a theater. It was experiencing joy. There is something about bringing joy to the world that is so critical. Animation is uniquely suited for that. Watching that movie for the first time and seeing a friendship start ― that really stuck with me.

映画館で『ジャングル・ブック』を観た。私が映画館で観た初めての映画だった。喜びを体験したという感じだった。世界に喜びを与えることはとても重要。アニメーションはまさにそに最適。初めてあの映画を観て、友情が芽生えていくのを観たときの感動は、本当に心に残った。

KANG

When all the [Charlie] Chaplin films came out on DVD, my dad bought all of them and that’s all we watched all week. The one that really impacted me was City Lights. That last shot ― just two close-ups of the blind girl, now no longer blind, and the tramp. Being able to feel all the emotions of these two characters in a silent film taught me so much about telling stories through pantomime and expression. Those two shots were one of my capsule moments ― and that I shared it with my dad.

（チャーリー・）チャップリンの映画が全部DVDで発売された時、父が全て買ってきて、我々は1週間ずっとそればかりを観ていた。本当に衝撃を受けたのは『街の灯』。あの最後のショット、もはや盲目ではなくなった盲目の少女と放浪者のクローズアップのリバースショット。無声映画で二人の感情をすべて感じ取れた経験は、身振りや表情で物語を伝える術を私に教えてくれた。あの２つのショットは私の人生の要約とも言える瞬間だった。そしてそれを父と共有できたことも。